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October 2017

OPEN CALL FOR SHOWCASES

DISCOVER TOMORROW'S BANDS, TODAY


MW is the meeting point of independent music in Spain.
The destination where artists, professionals, press and public
come together and share a unique experience.
The perfect mix between festival, forum and fair.

3

Days

Alameda de Hercules in Seville will be the new environment of Monkey Week. 3 days of professionals meetings and 2 days of concerts in the city.

+100

Shows

Monkey Week Showcase Circuit has become the essential platform to discover what’s going on in the Spanish music scene; but also to discover new bands from many different countries

+ 400

Profesionales

Monkey Week is the essential forum for debate, analysis and business for those who are dedicated to music.

mw2017


  • SWANS

    swans

    PRINCESS NOKIA (EE.UU)

    princess_nokia

    ROCÍO MÁRQUEZ

    rocio_marquez

  • BRIGITTE LAVERNE

    brigitte_laverne

    BALCANES

    balcanes

    BABY DEE (EE.UU)

    baby_dee

  • BALA

    bala

    BRONQUIO

    bronquio

    KAIXO

    kaixo

  • ONE PATH

    one_path

    MEDALLA

    medalla

    KELLY KAPØWSKY

    kelly_kapowsky

  • LA PLATA

    la_plata

    RRUCCULLA

    rrucculla

    VULK

    vulk

  • LOS VOLUBLE

    los_voluble

    FASENUOVA

    fasenuova

    LUMA

    luma

  • SMOKERS DIE YOUNG

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    MOHAMA SAZ

    mohama_saz

    ISEO & DODOSOUND

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  • CABEZAFUEGO

    cabezafuego

    CALA VENTO

    cala_vento

    QUENTIN GAS Y LOS ZÍNGAROS

    quentin_gas

  • YAWNERS

    yawners

swans
SWANS
Como manual de estilo del post-rock agónico y herrumbroso, la música de Swans se antoja la mejor antología del tremendismo experimental en el que cristalizaron las escuelas de los maestros Glenn Branca y Rhys Chatham. Hablamos del NY noise de finales de los ochenta, perversión arty y agresiva de la no wave, un clan de bárbaros del sonido donde echaron raíces formaciones del pelaje de Helmet, Band of Susans, Cop Shoot Cop o los mismísimos Sonic Youth (sí, Thurston Moore también pasó por las filas de Swans). De la brutalidad extrema y minimalista de los comienzos a la solemne madurez experimental de sus últimos tiempos, Michael Gira ha decidido poner el freno al que sin duda es su proyecto más sólido con una serie de shows tras los cuales el músico imprimirá un necesario hiato a la exitosa etapa iniciada con ‘My Father Will Guide Me up a Rope to the Sky’, álbum con el que la mítica formación neoyorquina regresó de su ostracismo en 2010 dejando tanto a fans como a profanos con la mandíbula batiente. Nueva formación, nuevas canciones y una puesta en escena física hasta el paroxismo. El planteamiento de Swans durante este último lustro ha sido tan rico en creatividad como agotador a un nivel logístico, por lo que el pope de la banda, coincidiendo con la espantada del carismático Thor Harris (el percusionista ha sido sustituido por el teclista Paul Wallfisch, miembro de Botanica, Firewater o Love & Rockets), volverá a congelar a los Cisnes tras esta serie de ‘Final Performances’ que los acercará una vez más hasta Sevilla, aunque esta vez bajo el marco de Monkey Week. #swans play
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PRINCESS NOKIA (EE.UU)
Si el nombre de Princess Nokia no entra en el alcance de tu radar quizás deberías preguntarte en qué clase de planeta olvidado llevas viviendo durante este último lustro. Debajo de este seudónimo se oculta la joven Destiny Frasqueri, también conocida por su otro alias Wavy Spicey y por haber echado los dientes colaborando con el joven colectivo de raperos neoyorquinos Ratking. De origen latino, Princess Nokia es actualmente un referente musical no solo en el Spanish Harlem, también en la escena de trap queens y R&B mundial. Posicionada lejos del ideal de ostentación del que hacen gala la mayoría de Mcs, Destiny ha conseguido erigirse como un símbolo de la lucha de género, no solo con su actitud combativa y activista, también por el brillante crossover que arrastra su sonido, una mezcla de géneros en constante mutación donde lo mismo cabe soul, blues, trip-hop, R&B o rap alternativo. Se identifica como bruja y marimacho, una chica boricua típica de Nueva York, feminista, una mujer queer cuya complejidad como fémina no es tanto una carga como un don con el que lograr el ansiado empoderamiento de la mujer en la industria discográfica. Su reciente actuación en el Sónar supuso el debut en nuestro país de uno de los nombres claves a la hora de entender la cultura pop de los millennials. El aterrizaje de Princess Nokia en Monkey Week plantea la entrada triunfal de la voz más rabiosa del trap USA en la ciudad del hip-hop con acento.  Como bien expuso Vice al hablar de ella, “es una mujer que acostumbra a hacer lo que le sale del coño tal y como le sale del coño”. Esto, en los tiempos que corren, supone como mínimo hacer una reverencia. He aquí el futuro de la música popular y ya deberíamos habernos dado cuenta. #hip-hop, #rap, #r&b play
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ROCÍO MÁRQUEZ
Búsquenla a medio camino entre lo antiguo y lo nuevo. O quizás, rastreando con paciencia, la podríamos encontrar justo en mitad de los dos polos, mirando alrededor con la cabeza fría como un témpano y el corazón bombeando riesgo. La posición que ha adoptado la cantaora onubense Rocío Márquez dentro del mundo del flamenco no es nada fácil: asumir el legado clásico para impulsarlo más allá del entorno de peñas y palos sobados. Con respeto, pero con la valentía suficiente como para abrazar la transición sin realizar demasiados aspavientos. “Ni soberbia ni tímida”, así la definían en la prestigiosa revista Rockdelux, donde Rocío fue portada hace unos meses, compartiendo titulares con músicos en principio tan distales como Nikki Sudden, Slowdive, Joe Pernice o Chris Cornell. ¿Qué está pasando dentro del género? ¿Podemos hablar de una nueva generación de dinamitadores de nuestro folclore popular? Niño de Elche, Rosalía o Rocío Márquez son nombres capaces de portar el legado de Lorca o Marchena hasta terrenos en principios tan inhóspitos para el “flamenco de pro” como podrían ser la electrónica o el rock alternativo. Monkey Week, por supuesto, no podía hacer oídos sordos a esta realidad. Tras el éxito de ‘El niño’ (2014), probablemente uno de los discos más importantes del flamenco contemporáneo, la poderosa (en el sentido amplio del término) Rocío Márquez regresó este año con el imponente ‘Firmamento’, una obra inmensa capaz de subvertir, con ayuda de Raül Fernández “Refree” en las labores de producción, los principios básicos del género afinando con militancia y cierta libertad formal otra manera de tratar el material antiguo, más fresca y visceral; con más conciencia del mundo que nos rodea. No se la pierdan este año, porque hablamos de una grande, aunque ella todavía no lo haya asumido. #flamenco play
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BRIGITTE LAVERNE
Alexia Taulé arrastra una formación clásica que no le impidió romper todos los corsés desde el momento en el que descubrió la magia de los sintes y los moduladores de frecuencia. Sí, detrás del alias Brigitte Laverne se esconde una entusiasta del synth-pop, el space-disco y las gomosas producciones de los ochenta. Con apenas 28 primaveras, esta catalana puede vanagloriarse de haber sido la única representante española en viajar a Tokio para asistir a la edición 2014 de la Red Bull Music Academy (la cuna de talentos de la que surgió, por ejemplo, Flying Lotus); y si miramos en su discoteca, probablemente nos topemos con viejos discos de OMD, Visage, Yazoo o The Human League. Exultantemente fashionable y tocada hasta la médula por la estética vintage, Brigitte Laverne se antoja una cápsula en el tiempo, una chica-androide de estética neo-hippy y corazón de plexiglás que busca un lugar a medio camino entre una jungla de neones y un relato de Philip K. Dick. Busquen en sus canciones ecos de las producciones cinematográficas del iconoclasta Cliff Martínez, el kraut-pop sensual de la Jane Weaver más reciente o incluso de los AIR más volátiles. El sueño líquido de Nicolas Windind Refn es una intuitiva artista capaz de recuperar el pulso de todas las fiestas del pasado a través de una sugerente maniobra de reinvención formal que algunos denominarían “nostalgia retro”. #synthpop, #electronica play
balcanes
BALCANES
 Los asturianos comenzaron su andadura metiendo un pie en el noise experimental más abstracto, ese que se remueve como un perro apaleado entre los ambientes opresivos de los tremebundos Whitehouse y los highlights del sello Amphetamine Reptile. Inquietos y avispados, Balcanes no tardaron en abrazar un cierto formalismo agreste que los ha terminado emparentando con el ladrido herrumbroso de bandas míticas como Melvins, Earth, Unsane o Today is The Day. Esto significa exhumar el cadáver del death-noise noventero para acabar adentrándose en un minimalismo pesado y asfixiante digno de la escuela del maestro Dylan Carlson. Oscuros como el ombligo de un mandril, ásperos y crispados como una mangosta rodeada de cobras, el mundo de Balcanes es un dechado de punk bronco, chirridos, drones in extremis y riffs retorcidos como una alambrada plantada en mitad del campo de batalla. Punk del Siglo XXI fabricado a costa de hardware infectado con la sombra del noise-art neoyorquino y el peor software malicioso imaginable. Su nuevo EP ‘Carne  (edita Humo) se antoja la banda sonora perfecta para un apocalipsis tecnológico. Tan adecuados para los fans de los primeros Sonic Youth como para los militantes del grindcore o el metal-avantgarde. Ojo, porque escuecen.  #Rock, #Punk, #Experimental, #Noise play  
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BABY DEE (EE.UU)
Artista y performer transgénero, Baby Dee comenzó su carrera en los setenta paseando su música por las calles de Nueva York hasta que acabó dándose de bruces con una iglesia católica del Bronx donde ejerció varios años como organista. Tras su transmutación como artista hermafrodita, entró a formar parte de la intelligentsia underground de Coney Island y terminó liderando esa decadente maravilla escénica llamada The Bindlestiff Family Cirkus. Su amistad con Antony Hegarty le empujó a colaborar tocando el harpa en el debut de Antony and The Johnsons, con los que Baby Dee comparte una especial sensibilidad por el drama emocional y el cabaret de entreguerras. Fue precisamente un amigo de Hegarty, David (Current 93) Tibet, quien le insistió para grabar un primer álbum con su sello discográfico. A partir de ahí, Baby Dee ha ido encarando una vida creativa repleta de idas y venidas, regando a un público cada vez más numeroso con una suerte de liturgia sonora donde caben influencias tan sugerentes como Kurt Weill, Marc Almond, Diamanda Galàs, Lydia Lunch, Lou Reed o Psychic TV. En su lista de colaboradores encontramos a Will Oldham, Matt Sweeney o el mismísimo Andrew WK, signo inequívoco de la peculiar naturaleza freak de la que hace gala esta diva del pop contemporáneo. Como Liza Minnelli en el C.B.G.B. #pop, #cabaret play
bala
BALA
Su paso por Monkey Week 2016 las catapultó hasta una gira australiana que ha dejado atrás un reguero de metralla y pólvora tan intenso como una toma falsa de ‘Apocalypse Now’. Crecidas en una de las zonas más deprimidas del extrarradio de A Coruña, Ángela Y Violeta llevan más de un lustro insuflando napalm al rock de facturación gallega. Para ello tiran de una mixtura donde cabe igualmente la urgencia noise-punk de Babes in Toyland como la rabia sludge de Black Flag, Flipper o los Melvins. Tan básicas como incendiarias, Bala nos proponen un aguerrido viaje por mitad de la trinchera, otra vuelta de tuerca al stoner (Kyuss) y el psych-metal de los noventa (Monster Magnet) encarada sin miramientos y haciendo nulas concesiones. Porque este dúo bebe de los inicios del grunge entendiendo a este como la respuesta nihilista al inmovilismo de una sociedad cada vez más opresiva. Con su debut ‘Human Flesh’ nos pusieron sobre aviso: estas chicas desayunan TNT. Su nuevo álbum, el impetuoso ‘Lume’, es como un viaje de cráneo y sin frenos al Top Ten de la Escala de Richter. Intensas, abrasivas y poderosas, Bala cuentan con uno de los directos más ariscos y epatantes de nuestra escena rock underground. Junten a Xena y Wonder Woman en medio de una concentración de HellsAngels y se harán una idea de la onda expansiva que desprende este joven dúo encima del escenario. #Rock,#Punk, #Metal play
bronquio
BRONQUIO
Detrás de Bronquio se esconde la figura esquiva del jerezano Santiago Gonzalo, joven músico de tradición punk que ya se descubrió un perro verde durante su militancia en los inclasificables Gipsy Aliens. Su labor como productor terminó empujándole hacia el mundo de los laptops y las tarjetas de sonido, aunque manteniendo siempre una actitud disidente y nada acomodada. Activista iconoclasta, su última encarnación como Bronquio se antoja al entorno del trap (sí, ese estilo tan de moda en Youtube) lo que The Prodigy ha sido en el mundo del drum n bass. “Lo de Bronquio no es trap por derecho, aunque algo de su esencia sí que tiene”, comentaba en una entrevista reciente. Y no va desencaminado en su discurso: la experiencia Bronquio es pura contundencia, una marea de beats y texturas más cercana a la pista de baile que a la narcolepsia habitual en el rap y derivados. A solas o con colaboradores (como esa chica callejera llamada 41V1L,  que es toda rabia, toda catarsis), cuando Bronquio arranca la piel a su controladora, aparece la misma sensación de inseguridad, santo y seña de un género que se ha convertido en verdadero fenómeno subcultural. Imaginen a John Carpenter interpretando sus terroríficos scores junto a Crystal Castles en mitad de una rave plagada de zombis adictos a la metadona. Igual, pensando en eso, se acercarán al peculiar mundo de Bronquio. #Electrónica, #Trap, #Punk, #Drum 'N' Bass. play
kaixo
KAIXO
El corazón en la industrializada Vigo y la entrepierna en la decadente Oporto. Dos ciudades, dos sensibilidades. La personalidad bicéfala del inquieto Kaixo, ese estado mental a medio camino entre lo meramente disruptivo y la intelectualización del hedonismo vicioso, nos pone sobre aviso de un artista con hechuras suficientes como para revolucionar la escena trap a costa de inesperadas maniobras de funambulismo sonoro. Sólido en sus proclamas y más que intuitivo en el uso que hace de la electrónica, este gallego afincado en Portugal cuenta con un background de órdago: rompió los prejuicios propios del rap situándose al frente del irreverente colectivo Banana Bahia Music; encandiló a Zebra Katz con su lenguaje afilado; sorprendió a propios y extraños con una primigenia mixtape (‘DropOut’) en la que contó con aliados del calibre de C. Tangana; acuñó el concepto #NewPunk dando cobertura a una propuesta en la que mezclaba electrónica indie, maneras callejeras y una emotividad digna de un dramade extrarradio; y ahora puede vanagloriarse de haber firmado uno de los trabajos más impactantes de la temporada, el afilado ‘Sniff Sniff’, una declaración de principios donde los tópicos del sexo-drogas-rock acaban convertidos en una visión demoledora sobre la industria discográfica y el vacío existencial de una generación sin referentes. #Electrónica, #Trap, #R&B. play
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ONE PATH
“Si das play a alguna de mis canciones probablemente escuches algo parecido a lo que haría el hijo de Drake y James Blake tras descubrir el Tao Te Ching en la estantería”. Javier Bilbao (AKA One Path) acostumbra a sacar los dientes al tópico trapero de coños, fiestas y colocones. Mientras unos riman con “madero”, “medio pollo” y “pollo entero”, él prefiere centrarse en un impulso creativo conciliador, hablar de taoísmo y defender una coartada intelectual alejada de lo que intentan vendernos las discográficas como “la auténtica música de la calle”. Productor intrépido y militante en el uso del auto-tune, encontramos su huella característica en la mítica formación art-rap Infinitum, así como en numerosos proyectos afrontados bajo alias de lo más diversos (Vinz Monk, Zero XY, Vida en Tránsito, ARMONIA). Su universo se nutre de soul, dubstep, R&B alternativo, imaginativos paisajes sonoros y un impulso vital de inclinación orientalista que ha arrojado canciones tan reivindicadas como respetadas. Su trabajo más reciente, ‘Siempre Parriba’, ha sido reconocido como uno de los mejores discos nacionales de 2016. “Me parece absurdo el hecho de que se pueda hablar de botellas de Hennessy y no de botellas de zumo”. Con proclamas como esta, One Path podría haber acabado devorado por la bestia salvaje y drogota del gagsta. Nada más lejos, porque podemos asegurar que hablamos de uno de los personajes más respetados del urban pop patrio. #Pop, #Trap, #Dubstep, #R&B. play
medalla
MEDALLA
Tras la extinción de aquel combo de garaje-punk galvanizado llamado The Saurs, Engui y Sueiro han decido probar fortuna bajo la piel de Medalla, una ampulosa súper banda de sonido hedonista que completan Benoît (Rapaza) y Marc (The Zephyr Bones). Con un esperado disco de debut a punto de salir del horno con El Segell del Primavera, Medalla destapa un arsenal de trucos epatantes robados del heavy ochentero, el AOR y el kraut-rock más elástico y juguetón. Imaginen un cruce entre Holy Fuck, Daft Punk y Electric Six, o como si los Queen de ‘Flash-Gordon’ se hubieran dado un atracón de speed en mitad del Sònar de Noche. Intrépidos, bombásticos, inesperados y sin frenos, el cuarteto barcelonés nos devuelve el auténtico espíritu Spinal-Tap aliñándolo con un sonido gomoso y volcánico de regusto retro-futurista. Una imparable máquina de riffs y melodías coreables diseñadas para avivar las fantasías más tórridas de Mr. Ric Ocasek. Cuando un meteorito acabó con todos los dinosaurios, una nueva forma de vida mutante y cargada de radioactividad saltó a la palestra dispuesta a conquistar los escenarios de todo el planeta. Así nació Medalla y así vamos a tener que enfrentarnos con su rock robótico. #rockplay
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KELLY KAPØWSKY
Cuentan que el proyecto nació después de que sus integrantes visionaran un vídeo de Warpaint, banda californiana que desde el primer momento ha sido santo y seña para Kelly Kapøwsky. Cinco chicas barcelonesas sin apenas conocimientos musicales decidieron unir fuerzas hace unos años al amparo de un nombre prestado de la clásica serie televisiva ‘Salvados por la campana’. El objetivo: replicar una suerte de art-pop de clara tradición ochentera, a mitad de camino entre Throwing Muses y The Breeders. Hablamos de una propuesta con cierto regusto épico y dosis de sensibilidad a flor de piel, exquisito relleno para una manzana envenenada no apta para estómagos sensibles a la elegancia y la emotividad. El resultado de momento es de lo más alentador: cuentan con un EP auto editado titulado ‘Phantøm City’ en el que, con apenas cinco cortes, Maite Weinhold (bajo), Eva Carasol (teclado), Laia Gil (guitarra), Núria Palacín (batería) y Made Torres (voz) han conseguido concentrar su mensaje artístico. En sus canciones no resulta difícil encontrar la huella de The Sundays o los primeros Cranberries (ese tono de voz cien por cien O'Riordan), composiciones de una alevosa nocturnidad que se cimbrean entre la nostalgia del shoegaze más intimista y el indie pop clásico a lo Pale Saints. #pop play
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LA PLATA
A finales de 2015 Diego (Acapvlco) Escriche grabó en solitario  un single de título urbanita (‘Un Atasco’) y lo publicó bajo el nombre de 0000000 en su canal de Youtube. Meses más tarde decidió formar una banda a raíz de ese tema definido por la revista Vice como la mejor canción pop de 2016, tres minuto y nueve segundos de luminosos giros imprevistos herederos de The Smiths o los New Order más enérgicos. Para dar vida a La Plata Diego contó con integrantes de otras formaciones valencianas como Carmonas, Teletexto, Thee Vertigos, Mental Signals o Poder Absoluto, una auténtica liga indie de las estrellas. Su fichaje con el sello Sonido Muchacho fue el paso necesario para conseguir cristalizar un Ep de tres canciones que resumía perfectamente los cuatro puntos cardinales de la new wave: simpleza compositiva, melodías adictivas, gomosos arreglos de teclados y una exultante vitalidad que invita claramente al esparcimiento físico y mental. Su pub-pop impregnado de nervio punk cala a la primera escucha, porque La Plata se nos muestra como una formación sincera, fresca y atropellada, un grupo que se mueve sin tirar de trucos ni artificios y que juega a imprimir vitalidad a un género que desgraciadamente acabó fagocitado por la cultura disco. Cuentan con lo mejor de la Nueva Ola madrileña pero sin recurrir a la nostalgia facilona. Esto, cuando menos, se agradece. #pop, #new wave play
rrucculla
RRUCCULLA
Cuando la bilbaína Izaskun adopta la piel de RRUCCULLA lo hace para cambiar las reglas del juego. Es entonces cuando la joven productora de Barakaldo adopta esta personalidad esquiva, y enigmática que ya ha encandilado a los connoisseurs del footwork y el free-jazz patrio. Una vez parapetada tras su alias más abstracto, Izaskun no duda en lanzarse a la piscina de la IDM y el pop experimental con una maestría digna de mitos vivos del post-rock, el dubstep o el hip-hop de vanguardia como son Tortoise, FourTet, Battles o Flying Lotus. Con apenas 22 años, RRUCCULLA toca la batería y maneja su cacharrería vintage con una precisión envidiable. También ha grabado, producido y auto editado 4 discos en el corto periodo de siete meses, incontinencia creativa que contrasta con una timidez extrema que prácticamente le ha impedido salir de su escondite en el norte. Aunque, eso sí, cuando RRUCCULLA decide dejarse ver suele hacerlo para sentar cátedra y en noviembre del pasado año terminó agenciándose tres premios de la XXVIII edición del prestigioso Villa de Bilbao. Su música, poliédrica, avanzada y repleta de matices, destapa la misma sensibilidad marciana que han hecho de artistas como Thundercat, Aphex Twin, DJ Shadow o PC Music iconos de la música popular del Siglo XXI. Su directo combina electrónica, samplers y baterías reales y, a la chita callando, ya ha encandilado a la redacción de la web británica The Line of BestFit. #electronica, #IDM, #footwork, #free-jazz play
vulk
VULK
La sección rítmica de los bilbaínos es como un guanaco chupando petróleo. Marcial, poderosa e implacable, la locomotora Vulk ya apuntó maneras con ‘No Longer Great Deal’, un primitivo Ep auto editado en 2016 que despejó las incógnitas de ese sonido poderoso y afilado marca de la casa. Heredero del post-punk de principios de los ochenta, el cuarteto vasco llega a Monkey Week con un flamante disco de debut bajo el brazo, el impertérrito ‘Beat Kamerlanden’, una mezcla de rock experimental y oscuro pop anti persona que bebe de fuentes como Joy Division, Wire, Mission of Burma, Gang of Four, Te Ex o incluso el Bowie más fibroso. Su milimétrica precisión instrumental y la intensidad que imprimen a sus canciones en directo los sitúan justo al lado de grandes regeneradores del rock sin concesiones como Mclusky, Q and Not U, Les Savy Fav o Future of TheLeft. Y aunque tiren de referentes anglosajones, Vulk son la punta de un denso iceberg que alguien ha plantado en pleno casco urbano de Bilbao, un pedazo de hielo ardienteen cuyo interior se retuercen formaciones de la talla de Sacco, Serpiente, Faux, Luma o Smoke Idols. Y es que Vulk tienen algo de militantes disidentes en su sonido y en la actitud que gastan sobre el escenario. Un dechado de sudor y bilis que no deberían pasar por alto. #ROCK play
los_voluble
LOS VOLUBLE
Oriundos de El Viso del Alcor, municipio sevillano conocido por su menudo y por la contrastada capacidad de sus habitantes para pervertir la tradición, Benito y Pedro Jiménez forman un tándem creativo multidisciplinar que ha ido cristalizando durante las dos últimas décadas con proyectos tan sui géneris como el festival de cultura libre e innovación social Zémos98 o el dúo Dj/Vj Los Voluble. Los más comprometidos con la experimentación audiovisual al servicio de la crítica sociopolítica conocen de sobra esta anti banda pluscuamperfecta, un proyecto que con diez años de vida a sus espaldas ya cuenta con highlights como haber dinamitado junto a Niño de Elche el festival Sónar (todavía suenan ecos de sus espectáculos ‘Raverdial’ o ‘En el nombre de’, este último presentado en nuestra edición 2016) o sentar las bases de una nueva sensibilidad de género en la XVIII Bienal de Flamenco de Sevilla, donde defendieron con los puños la lúcida dramaturgia espacial de ‘Cartuja a Rás’. Activistas, militantes e intuitivos cachorros post 15 M, Los Voluble vuelven a  Monkey Week con ‘No Media Detected’, un nuevo espectáculo en el que los hermanos Jiménez han trabajado sobre su propio archivo sonoro y audiovisual partiendo del imaginario colectivo que generan los medios de comunicación. Imagen pública, manipulación social, sonido transmedia y post verdad son conceptos recopilados en un archivo que resume 20 años de sampleos y grabaciones de campo, “catástrofes audiovisuales” donde se mezclan estilos como el flamenco, la electrónica o el hip-hop experimental. #electrónica, #hip-hop, #flamenco play
fasenuova
FASENUOVA
El microcosmos de Ernesto Avelino y Roberto Lobo, trasunto de Alan Vega y Martin Rev a la asturiana, está plagado de cables pelados, herrumbre y literatura científica. “Empezamos a conocernos en el lenguaje de las cajas de ritmo y los sintetizadores, a los que domábamos a base de gritos y aullidos”, comentan los Fasenuova cuando tratamos de rastrear el impulso primigenio que empujó a estos dos músicos de Mieres a fundar uno de los proyectos más fascinantes de la escena experimental patria. Desde su primer disco compartido con Angel Dust y publicado por el histórico sello Ozone Kids hasta su última obra magna, el afilado ‘Aullidos Metálicos’, Fasenuova ha ido mutando hacia una suerte de sólida militancia underground a la que ya no le caben filtraciones del exterior. Del after-punk industrial de discos como ‘Ortigas públicas’ o ‘A la quita hoguera’ (aquellas obras respiraban el mismo aire infectado de estroncio que los icónicos Esplendor Geométrico) al synth-pop urbanita de su celebrado ‘Salsa de cuervo’, Fasenuova ha edificado ladrillo a ladrillo una catedral decorada con nylon y alambre que, de haber emergido en mitad de los ochenta, hoy sería una referencia clave a la hora de entender el avantgarde latino. Intenten visualizar una versión ciberpunk de El Columpio Asesino, con más de Suicide que de Pixies, con menos de New Order que de Cabaret Voltaire. ‘Aullidos metálicos’, el primer trabajo que editan en Humo tras la disolución de Discos Humeantes, ha sido producido por el reverenciado Dj Óscar Mulero, colaborador de estos Throbbing Gristle patrios. #EXPERIMENTAL, #POST PUNK, #SYNTH POP play
luma
LUMA
El dúo de San Sebastián encabeza una reciente revolución del rock vasco heredera de aquel espíritu adolescente que embargó las frías calles de Seattle durante la década de los noventa. Esto significa que Luma parten de una cierta robustez musical repleta de guiños setenteros para terminar embadurnando su fiera y reducida fórmula (guitarra, batería y bases programadas) con aquel oscuro nihilismo propio del grunge. Tendríamos que destacar también una pátina metalera que ayuda a la banda a insuflar bilis a su propuesta, un viaje en el tiempo a medio camino entre el noise-punk de los primeros Dinosaur Jr. y los pasajes más densos de The Twilight Singers. Pesados (en el sentido más vigoroso), encabritados y orgánicos, con Luma el tópico de menos es más acaba convirtiéndose en una declaración de intenciones. El directo se ha revelado como su medio natural y es por esto que el nombre de Luma ha ido floreciendo durante el último lustro, bolo a bolo, como un enorme cactus trempado por la vigorexia propia de la juventud. Pueden presumir de haber compartido escenarios con Bellrays, No age, Capsula o The Strypes y sus dos Eps publicados hasta la fecha (‘Club’ y ‘Airwalk’) aventuran una carrera sólida y con proyección. #ROCK,#PUNK play
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SMOKERS DIE YOUNG
Si no abrieran la boca para soltar el clásico “pisha” gaditano, cualquiera juraría que se fundaron al amparo del mítico sello Sub-Pop. Pocas veces encontrarán por estos lares un acercamiento tan auténtico y fidedigno al sonido Seattle como el que llevan a cabo los jovencísimos Smokers Die Young, otra vuelta de tuerca a la escuela de Kurt Cobain y compañía con, esta vez sí, más fondo que forma. Porque un trío tan versátil como este fija su objetivo en algo más que la simple réplica. Aquí hay un regurgitar de influencias, que no solo van por Royal Blood, Jane´s Addiction o Biffy Clyro, sino que también se proyectan hacia el lado menos visible del rock alternativo de los noventa, ese por el que otrora transitaban formaciones más desconocidas como Modern Love Bone, Skin Yard o Green River. Cuentan con un vocalista que conecta directamente con el J Mascis y el Gregg Dully más primigenios y una colección de canciones que, ya recopiladas en el urgente ‘Home Vs Home’, suenan tan arrolladoras como adictivas. Puede que en los primeros compases la cosa suene a ya consabida, pero basta unos minutos de exposición a Smokers Die Young para terminar claudicando ante una banda cuyo único pecado es su filiación a la última revolución sufrida por el rock contemporáneo. Himnos generacionales, melodías coreables y chorros de riffs inflados por la rabia de tres tipos que ya andan decididos a resumir su pasión por los clásicos con el brío de un potro desbocado. play
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MOHAMA SAZ
Aquí podemos hablar de una súper banda formada por rescoldos del pop-rock underground capitalino. Detrás de Mohama Saz se esconden viejos sospechosos habituales de esa Madrid inquieta y fusionada hasta el tuétano: repasando, Adrián Ceballos (RIP KC, Novak, Javier Colis, Los Cuantos, Melange), Javier Alonso (Novak, RIP KC, Richard Hell), Arturo Pueyo (Sur Quintet) y Sergio Ceballos (RIP KC, Melange) dan vida a un proyecto que tomando el rock psicodélico de Anatolia como hilo conductor, pretende refundir los sonidos orientales con el sentimiento improvisado del free jazz norteamericano. Con dos magníficos álbumes en cartera (no desestimen el poder de seducción de ‘More Irán’ y ‘Negro es el poder’) Mohama Saz hacen gala de una envidiable pericia instrumental que ha catapultado a sus responsables hacia el top del rock intercontinental. Desde el momento en el que sus responsables decidieron salir del sótano y mirar al mar, a ese Mediterráneo eterno que baña los acordes de sus canciones, el folk nacional se hizo un poco más grande. Hay mucha magia en la diáfana mezcla de hipnosis tuareg, laberinto turco, colorido árabe y duende flamenco que encierra el oasis de Mohama Saz, un torrente de sonidos que evita etiquetas tan espúreas como rock, pop, psicodelia o ni mucho menos world music. Trazando lazos entre el prog rock contemporáneo y los viejos sonidos de raíces, el cuarteto madrileño se antoja una experiencia sensorial, porque más allá de la música, consiguen destapar esa amalgama de olores y sabores que hasta ahora solo conseguíamos advertir al abandonarnos al viejo truque del Gran Bazar otomano.#FOLK, #PSICODELIA, #WORLD MUSIC play
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ISEO & DODOSOUND
Como un caída libre sobre el algodón narcótico del dub, el proyecto Iseo & Dodosound plantea una sugerente y pegajosa puesta en común entre lo orgánico y lo sintético. Bebiendo de bases como el reggae y el dancehall, el dúo pamplonica se destapa como una caja de ritmos que despliega diferentes capas perfectamente imbricadas sobre ese minimalismo aliñado con arreglos de viento marca de la casa. Música de raíces afrontada con los mínimos recursos aunque diseñada para generar movimiento social; esto es, sonidos hipnóticos capaces de elevar a la multitud hacia estados alterados de conciencia en total comunión de ideas y movimientos al ralentí. La banda se dio a conocer en 2015 con un álbum auto editado titulado ‘Cat Platoon’, espoleta de una carrera musical que no ha dejado de cimbrearse como una densa columna de humo verde entre los line-ups de los principales festivales de raíces de nuestro país. Con ‘Roots in the Air’, su flamante nuevo disco, Iseo & Dodosound han multiplicado sus posibilidades adoptando un sonido más maduro, algo que han logrado gracias a la colaboración de The Mousehunters, sección de vientos que acompañará al dúo durante sus presentaciones en vivo en este 2017. #DUB, #REGGAE play
cabezafuego
CABEZAFUEGO
Ex Mermaid, ex Royal Canal, ex Basque Country Pharaons, ex Bizardunak, ex Half Foot Outside, ex Separatistas, ex Black Lagun, colaborador habitual de los tremebundos Atom Rhumba y miembro de los legendarios Jugos Lixiviados. A Iñigo Cabezafuego no le duran muchos las historias. O al tipo le cuesta un demasiado poner el huevo o es que realmente no hay un dios quien le aguante su inabarcable incontinencia humana. Resulta difícil resumir en un par de párrafos la carrera de uno de los compositores más imaginativos e irreverentes que ha parido la escena independiente de por aquí. Inquieto multiinstrumentista y showman de tradición “Marxista”, este bardo del psych-pop patafísico decidió lanzarse hace unos años a una carrera en solitario que le ha valido dos discos inigualables: el brillante ‘Camia conmigo’, uno de los mejores álbumes folk-pop de 2014, y el reciente disco-cómix 'Somos Droga'; una maravillosa ida de olla audiovisual repleto de viñetas dibujadas por Paco Alcázar, Don Rogelio J o Mauro Entrialgo. Una obra de arte feista preñada con canciones impagables donde brillan trompetas de carnaval, himnos cheerleading, riffs glam punk, ecos a los años de Triquinoise, AOR, psicodelia facturada en Raticulín, pop ectoplásmico, dub fantasmal, guiños a los añorados Patrullero Mancuso o hasta un himno mambo-kraut titulado 'Motorik Boogaloo'. Algo así como encerrar a Los Brincos en una pecera llena de anguilas eléctricas junto a Ira Kaplan y Wayne Coyne. "He pasado de comprar la ropa con mi madre a robar a punta de navaja para pincharme", quizás sea la mejor estrofa generacional posible. Genio, figura y mucha cabeza. #POP, #ROCK, #PSICODELIA, #FOLK play  
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CALA VENTO
A veces la historia de un grupo puede ser extraordinariamente sencilla. Cala Vento fueron seleccionados para participar en un stage de aprendizaje para grupos noveles donde profesionales del sector compartían su experiencia para mejorar la proyección de las bandas. Uno de ellos, el ínclito Eric Fuentes, propuso al dúo producirle su disco de debut tras quedar impresionado por aquella manifiesta habilidad para reproducir aquella suerte de power-rock heredero del post-hardcore norteamericano de los noventa. Y así Aleix y Joan, dos amigos de Figueres y Torroella que compartían admiración por formaciones basadas en el tándem batería y guitarra, acabaron formando parte de la escudería BCore, afianzándose con apenas dos discos en la calle (el homónimo ‘Cala Vento’ y el flamante ‘Fruto Panorama’) como uno de los más intensos grupos en directo de la escena nacional. Letras brillantes, certeros estallidos proto punk y una sólida base rítmica son las claves de Cala Vento, un dúo que no desmerece para nada a otros coetáneos internacionales del nivel de No Age o Japandroids. Como unos hermanos pequeños de Nueva Vulcano, Cala Vento han dado con una fórmula mágica basada en la espontaneidad, la riqueza de los detalles y su capacidad expresiva sobre las tablas, como ya han demostrado en recientes ediciones del Primavera Club y el SXSW. Y lo más curioso de ellos es que, por más que los veas en vivo, nunca echarás de menos el bajo. Cuando menos es más.   #ROCK play
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QUENTIN GAS Y LOS ZÍNGAROS
Nos lo vendieron como una sorprendente confluencia entre flamenco y brit-pop, el eslabón perdido entre Oasis y Camarón y una de las propuestas más innovadoras del rock con acento andaluz. Pero lo de Quintin Vargas (Quentin Gas cuando entra al estudio o se sube a cualquier escenario) va más allá de un claim o hasta de un sonado legado familiar. Sí, el frontman de los garajeros Los News es hijo de la reconocida bailaora Concha Vargas, pero este detalle es una raya en el agua cuando nos acercamos a la auténtica naturaleza de Quentin Gas y Los Zíngaros, peculiar pandilla de truhanes arrabaleros sin miedo a traicionar a sus ancestros, dignos protagonistas de un viaje iniciático por la pringue psicodélica de un John Silver el Largo cargado de ron y LSD. Más cerca de José Domingo que de Smash, de Pond que de Antonio Mairena, Quentin suele acompañarse por José Mesa a la batería, José Vaquerizo a los teclados y ocasionalmente por su familia de artistas gitanos: Concha, Curro y Carmen, de los Vargas de toda la vida. ‘Caravana’, editado este mismo año, se antoja el mejor crossover imaginable entre la música popular andaluza, el kraut teutón de principios de los setenta y la banda sonora perfecta del Verano del Amor. Como broche de oro, rastreen en Internet la remezcla de `Mala puñala’ que les ha realizado el incombustible nuevo príncipe de la electrónica de subterfugio Santiago “Bronquio” Gonzalo. #rock, #psicodelia #flamenco play
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YAWNERS
Afincado en Madrid, el power dúo Yawners debe su empaque a un buen puñado de horas acumuladas oyendo discos licenciados por Sub-Pop. A pesar de la juventud de la que hacen gala Elena y Martín, cualquiera aseguraría que la explosión grunge les pilló en plena cara a estos dos kamikazes de la melodía, condicionando inevitablemente su manera de componer hacia un tipo de urgencia existencial bañada en distorsión guitarrera y eternas melodías adolescentes. Por las canciones de su impetuoso álbum de 2015 (‘Dizzy’) asoman la melena nombres referenciales como los de The Fastbacks, The Vaselines, Bikini Kill o unos primitivos Lemonheads. Lo suyo es punk-pop sin edulcorantes, ejecutado con desprendida pasión y sin dejar de apretar el acelerador, como si las Breeders se hubieran pasado tres pueblos con su ración de pastillas de adelgazamiento y hubieran decidido lanzar a Black Francis a la piscina sin quitarle sus zapatillas Vans. Un dechado de garaje-rock amable e impetuoso coronado por coros playeros en la onda Dum Dum Girls y dinámicas perfectamente encajables en un slalom skate. Mezclen medio litro de Ramones, dos cucharadas rasas de Vivian Girls y un par de gotas de rimmel de Donita Sparks y darán con la fórmula magistral que mueve a Yawners, la banda perfecta para afrontar una adolescencia cargada de conflictos con el desodorante. #ROCK, #POP play

ENTRADAS_MW_2017


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